I det store pantheon af moderne filmkunst er der få skikkelser, der indtager en så enestående og omhyggeligt skabt plads som Guillermo del Toro. Han er filmskaber, forfatter, kunstner – men frem for alt er han en alkymist. I over tre årtier har han praktiseret en unik form for filmisk alkymi, hvor han tager det, nogle vil kalde “usle materiale” – monstre, spøgelser, insekter og gysets rekvisitter – og forvandler det til fortællingens guld. Hans værk er et vidnesbyrd om en dyb og urokkelig tro på, at monstre er “ufuldkommenhedens skytshelgener”, og at der i det groteske findes en unik og poetisk skønhed.
Hans karriere er ikke en simpel udvikling fra lavbudget-gys til Hollywood-prestige, men et vedvarende, livslangt projekt med at opbygge et filmisk kuriositetskabinet. Hver film er en ny skuffe i dette kabinet, der afslører en omhyggeligt designet verden, hvor eventyr kolliderer med historiens brutale maskineri, og hvor de mest menneskelige karakterer ofte har horn, gæller eller mekaniske hjerter. Denne urokkelige vision har ført ham til branchens højeste tinder og indbragt ham Oscar-priser for Bedste Instruktør og Bedste Film for en film om en stum kvindes kærlighed til en flodgud, og en anden for Bedste Animerede Spillefilm for en stop-motion-fabel om en trædukke i det fascistiske Italien. Guillermo del Toros rejse er historien om en instruktør, der ikke ændrede sin vision for at opnå Hollywoods anerkendelse, men som gennem ren kunstnerisk kunnen og overbevisning fik Hollywood til endelig at værdsætte den dybe, monstrøse vision, han altid har haft.
En barndom smedet i skygge og tro
Råmaterialet til hele del Toros kunstneriske vision blev udvundet fra gaderne og hjemmene i hans fødeby, Guadalajara i Mexico, hvor han blev født den 9. oktober 1964. Hans ungdom var en smeltedigel af dybe og ofte modsatrettede påvirkninger. Han voksede op i et strengt, dybt katolsk hjem under opsyn af sin bedstemor, en kvinde, hvis tro både var en kilde til rig ikonografi og dybtliggende rædsel. Hun så hans spirende fascination af fantasi og gys ikke som en kreativ gnist, men som en åndelig sygdom. I sin misbilligelse af hans tegninger af monstre og dæmoner udsatte hun den unge dreng for to separate eksorcismer og kastede vievand på ham i et forsøg på at rense hans sjæl. Som en yderligere form for bodfærdighed lagde hun metalkapsler i hans sko, så de blodede hans fødder – en barsk, fysisk manifestation af religiøs skyld.
Flere artikler
Denne morbide katolicisme blev spejlet af byens ufiltrerede virkelighed. Del Toro har talt om sin tidlige, gentagne eksponering for døden og har levende minder om at se rigtige lig på lighuse, i kirkekatakomber og på gaden efter ulykker eller voldshandlinger. Dette miljø, hvor det hellige og det profane var i konstant, visceral dialog, formede et sind, der ikke så nogen klar grænse mellem det virkelige og det fantastiske. For at flygte trak han sig tilbage til en fantasiverden og fandt trøst, ikke hos helgener, men hos monstre.
Hans kreative impulser fandt et afløb, da han som omkring otteårig begyndte at eksperimentere med sin fars Super 8-kamera. Hans første film, med legetøj fra Abernes Planet og andre husholdningsgenstande i hovedrollerne, var allerede gennemsyret af en mørk, komisk sensibilitet. En bemærkelsesværdig kortfilm handlede om en “seriemorder-kartoffel” med ambitioner om verdensherredømme, som myrdede sin familie, før den uden videre blev kørt over af en bil. Dette tidlige arbejde afslører et sind, der allerede legede med gysergenrens troper og fandt en mærkelig og vidunderlig kraft i det makabre. Den centrale konflikt i del Toros senere værker – sammenstødet mellem stive, grusomme institutioner og det sjælfulde, misforståede “monster” – var en direkte eksternalisering af denne barndom. Han forkastede ikke blot sin bedstemors tro; han tilegnede sig dens gotiske pragt og overførte dens følelse af ærefrygt og rædsel til en ny, personlig mytologi af egen skabelse.
Håndværkerens læretid: Fra Necropia til Cronos
Del Toros rejse fra ung hobbyist til professionel filmskaber blev bygget på et fundament af praktisk håndværk. Han blev optaget på filmstudiet ved Universitetet i Guadalajara, hvor han endda udgav sin første bog, en biografi om Alfred Hitchcock. Hans vigtigste uddannelse kom dog ikke fra et klasseværelse, men fra et værksted. Han opsøgte og studerede special effects og makeup hos den legendariske Dick Smith, kunstneren bag de banebrydende effekter i Eksorcisten. Dette mentorskab var transformerende. I det næste årti dedikerede del Toro sig til håndværket, arbejdede som special effects-makeup-designer og grundlagde til sidst sit eget firma i Guadalajara, Necropia. I denne periode finpudsede han sine færdigheder i mexicanske tv-serier som Hora Marcada, hvor han arbejdede sammen med fremtidige samarbejdspartnere som Alfonso Cuarón og Emmanuel Lubezki, og var med til at grundlægge Guadalajaras Internationale Filmfestival.
Denne dybe, taktile forståelse af, hvordan filmmagi fysisk formes, støbes og bringes til live, skulle blive grundstenen i hans instruktørstil og indgyde en livslang forkærlighed for praktiske effekter, der giver hans fantastiske skabninger en håndgribelig, visceral vægt. Denne intensive læretid kulminerede i hans spillefilmsdebut i 1993, Cronos. Filmen, der blev finansieret med et budget på omkring 2 millioner dollars, som del Toro delvist dækkede selv, var det ultimative udtryk for hans rejse som håndværker. Det var en film, der var finansieret af og bygget på hans ekspertise inden for praktiske effekter. Cronos fortæller historien om en ældre antikvitetshandler, der opdager en 400 år gammel, insektlignende anordning, der giver evigt liv, men til prisen for en vampyrisk tørst efter blod. Filmen var en fuldt formuleret programerklæring, der introducerede verden til del Toros signaturmotiver: indviklede urværksmekanismer, insektbilleder, et tragisk og sympatisk monster og en dyb kilde af katolsk symbolik. Den markerede også hans første samarbejde med skuespilleren Ron Perlman, der spillede en brutal amerikaner på jagt efter anordningen.
Cronos blev en sensation i Mexico og vandt ni Ariel-priser, herunder for Bedste Film og Bedste Instruktør. Den vandt efterfølgende den prestigefyldte pris ved Den Internationale Kritikeruge på filmfestivalen i Cannes og annoncerede ankomsten af en forbløffende original stemme i verdensfilmen. I USA var dens udgivelse dog begrænset, og den indtjente blot 621.392 dollars. Filmen var en kritikerdarling, men en kommerciel fodnote – et mønster, der skulle definere den næste fase af hans karriere, da han bevægede sig ind i hjertet af Hollywood-systemet.
Ilddåben: Hollywood-prøvelsen med Mimic
Efter den internationale anerkendelse af Cronos gjorde del Toro sit første indtog i det amerikanske studiesystem med science fiction-gyseren Mimic fra 1997, produceret af Miramax’ genre-label, Dimension Films. Oplevelsen skulle vise sig at blive en traumatisk ilddåb. Han stødte konstant sammen med producenterne Bob og Harvey Weinstein, som han følte blandede sig i alle aspekter af projektet. Studiet satte spørgsmålstegn ved hans beslutninger om plot, casting og tone og krævede en mere konventionel og “uhyggelig” film end den atmosfæriske monsterfilm, del Toro havde forestillet sig. Det oprindelige koncept, der involverede spøgelsesagtige, hvide insekter, blev ændret til gigantiske, muterede kakerlakker – et træk, som del Toro frygtede ville gøre hans film til “den med de gigantiske kakerlakker”.
De kreative kampe blev så intense, at Harvey Weinstein angiveligt stormede ind på settet i Toronto for at instruere del Toro i, hvordan han skulle instruere, og senere forsøgte at få ham fyret – et forsøg, der kun blev forpurret af hovedrolleindehaveren Mira Sorvinos indgriben. Del Toro har siden kaldt arbejdet med Mimic for en af de værste oplevelser i sit liv, en “forfærdelig, forfærdelig, forfærdelig oplevelse”, som han har sammenlignet ufordelagtigt med kidnapningen af sin egen far. Han tog til sidst afstand fra den endelige biografversion af filmen, selvom han senere fik mulighed for at udgive en director’s cut i 2011, der genoprettede nogle af hans oprindelige intentioner. Prøvelsen fik ham næsten til helt at opgive amerikansk filmproduktion.
Det professionelle traume fra Mimic havde dog en dyb og varig indflydelse på hans håndværk. Som reaktion på, at hans arbejde blev omklippet og kontrolleret af studiet, udviklede del Toro bevidst en specifik instruktørstil som en form for kreativ selvopholdelsesdrift. Han begyndte at filme på en måde, der trodsede nem omklipning, ved at anvende flydende, komplekse og ofte lange kamerabevægelser, der væver sig gennem settet. Denne “svævende kamera”-stil, der nu hyldes som et kendetegn for hans kunst, blev født som en kalkuleret overlevelsestaktik. Det var en måde at gøre kameraet til en fortællende karakter i sig selv og indlejre den narrative logik så dybt i det visuelle sprog i et skud, at det ikke let kunne skilles ad i klipperummet. Smerten fra Mimic smedede de selvsamme værktøjer, han ville bruge til at bygge sine fremtidige mesterværker.
Tilbage til rødderne: Den spanske gotik i The Devil’s Backbone
Rystet af sin Hollywood-prøvelse foretog del Toro et strategisk og åndeligt nødvendigt tilbagetog. Han vendte tilbage til sine rødder, dannede sit eget produktionsselskab, The Tequila Gang, og indledte en spansksproget koproduktion mellem Spanien og Mexico. Resultatet blev The Devil’s Backbone (2001), en dybt personlig gotisk spøgelseshistorie, der tjente som både en kreativ genopfriskning og den tematiske plan for hans mest berømte værk.
Filmen blev produceret af den legendariske spanske instruktør Pedro Almodóvar og hans bror, Agustín, gennem deres selskab El Deseo. Dette partnerskab viste sig at være den perfekte modgift mod giften fra Mimic. Del Toro fik fuldstændig kreativ frihed, et koncept så absolut, at da han bad om final cut, blev Pedro Almodóvar oprigtigt forvirret og svarede: “Jamen, selvfølgelig er beslutningen din!”. Dette beskyttede miljø gav del Toro mulighed for at genfinde sin stemme og hele sårene fra sin tidligere film. Han genoplivede et manuskript, han havde skrevet allerede før Cronos, en fortælling, der foregår i 1939 under det sidste år af Den Spanske Borgerkrig. Historien følger en ung dreng, Carlos, som bliver sendt til et hjemsøgt børnehjem, der drives af republikanske loyalister. Der konfronterer han ikke kun spøgelset af et myrdet barn, men også de meget menneskelige onder som grådighed og vold, personificeret af viceværten Jacinto. Filmen blander mesterligt overnaturlig gys med historisk tragedie og etablerer Den Spanske Borgerkrig som det, del Toro senere ville kalde en “spøgelsesmotor” – et historisk traume så dybt, at dets spøgelser fortsat hjemsøger nutiden.
The Devil’s Backbone blev hyldet af kritikere som et mesterværk i stemning og metafor. Vigtigere for del Toro var det en bekræftelse på, at hans kompromisløse vision kunne resultere i stærk, resonant filmkunst. Han har beskrevet filmen som “broderfilmen” til Pans Labyrint, en mere maskulin modpart til den feminine energi i hans senere værk. Den kreative opfyldelse og kritiske succes med The Devil’s Backbone var den essentielle kunstneriske terapisession, der ikke kun genoprettede hans selvtillid, men også lagde de grundlæggende temaer og historiske bagtæppe for det magnum opus, der skulle komme.
Erobringen af mainstream-publikummet: Blade II og Hellboy-sagaen
Styrket af den kreative triumf med The Devil’s Backbone vendte del Toro tilbage til Hollywood, men denne gang på sine egne betingelser. Han overtog roret på vampyr-superhelte-efterfølgeren Blade II (2002), et projekt, der gav ham mulighed for at fusionere sin gotiske, monstrøse æstetik med højoktan blockbuster-action. Træt af den romantiske “plagede victorianske helte”-kliché var han fast besluttet på at gøre vampyrer skræmmende igen. Filmen blev en rungende succes, indtjente 155 millioner dollars og beviste, at hans unikke sensibilitet kunne trives inden for en mainstream-franchise. Han bragte sin signaturkærlighed til praktiske effekter, indviklet væsen-design – som de skræmmende “Reapers” med deres spaltede kæber – og stemningsfuld, atmosfærisk belysning til tegneseriefilmenes verden og skabte, hvad mange fans anser for at være trilogiens højdepunkt.
Denne succes gav ham den nødvendige indflydelse i branchen til at forfølge et projekt, han havde værnet om i årevis: en filmatisering af Mike Mignolas tegneserie Hellboy. Rejsen for at bringe den vittige, rødhudede dæmon til lærredet var en besværlig en, defineret af del Toros urokkelige loyalitet og kunstneriske integritet. I syv år kæmpede han med studier, der var tøvende over for projektet og, mest markant, over for hans valg til hovedrollen. Del Toro var urokkelig i, at kun én skuespiller kunne legemliggøre karakterens sjæl: hans ven og hyppige samarbejdspartner, Ron Perlman. Han nægtede at lave filmen med nogen anden og var villig til at ofre hele projektet frem for at gå på kompromis med, hvad han følte var dens hjerte.
Hans vedholdenhed bar frugt. Hellboy blev udgivet i 2004, efterfulgt af den endnu mere fantastiske efterfølger, Hellboy II: The Golden Army, i 2008. Filmene er et levende udstillingsvindue for del Toros passioner. De er fyldt med betagende praktiske effekter og væsen-designs, hvoraf mange sprang direkte fra hans personlige notesbøger. Han tilgik disse franchise-film ikke som en håndværksinstruktør, men med den samme auteur-passion, han bragte til sit uafhængige arbejde. Han balancerede den eksplosive action med ægte patos og karakterbaseret humor og menneskeliggjorde sin monstrøse helt og hans fundne familie af “freaks”. Dermed udviskede del Toro effektivt grænsen mellem art-house-biografen og multiplexen og demonstrerede, at for ham var en historie om et sympatisk monster en værdig bestræbelse, uanset budgettet.
Mesterværket: Inde i Pans Labyrint
I 2006 udgav Guillermo del Toro den film, der skulle komme til at definere hans karriere og cementere hans status som en af verdens førende filmiske visionære: Pans Labyrint (El laberinto del fauno). Som en international koproduktion mellem Spanien og Mexico var det et så personligt projekt, at del Toro investerede sin egen løn for at sikre dets færdiggørelse. Filmen er den ultimative syntese af hvert tema, indflydelse og besættelse, der havde formet hans liv og arbejde op til det punkt.
Historien, der opstod fra tyve års ideer, tegninger og plotstumper samlet i hans omhyggeligt førte notesbøger, foregår i 1944, fem år efter Den Spanske Borgerkrig. Den følger en ung pige ved navn Ofelia, der rejser med sin gravide mor til en landlig militær forpost, der kommanderes af hendes sadistiske nye stedfar, den falangistiske kaptajn Vidal. For at undslippe den brutale virkelighed i sit nye liv opdager Ofelia en gammel labyrint og en mystisk faun, der fortæller hende, at hun er en længe forsvundet prinsesse fra underverdenen. For at genvinde sit kongerige skal hun fuldføre tre farefulde opgaver.
Pans Labyrint er en mesterlig og hjerteskærende blanding af et dystert eventyr i stil med Brødrene Grimm og den ubønhørlige brutalitet i det efterkrigstidens Franco-Spanien. Fantasiverdenen er ikke en simpel flugt fra virkeligheden, men snarere en metaforisk linse, hvorigennem Ofelia bearbejder og konfronterer dens rædsler. Temaerne om valg og ulydighed er centrale; Ofelia bliver konstant sat på prøve, tvunget til at vælge mellem blind lydighed over for autoritære figurer som Vidal og Faunen og sit eget medfødte moralske kompas. Filmens mest skræmmende skabning, den Blege Mand, et børneædende væsen, er en direkte allegori for fascismens og den medskyldige katolske kirkes institutionelle ondskab.
Filmen havde premiere på filmfestivalen i Cannes i 2006, hvor den blev mødt med en 22-minutters stående ovation, en af de længste i festivalens historie. Den blev et globalt fænomen, indtjente over 83 millioner dollars på et beskedent budget på 19 millioner og opnåede udbredt kritikerros. Den modtog seks Oscar-nomineringer, herunder for Bedste Originale Manuskript til del Toro, og vandt tre Oscar-priser for Fotografering, Scenografi og Makeup. Filmen var den perfekte destillation af hele hans kunstneriske identitet, det værk, som hele hans karriere havde bygget op til, og den gav ham enorm kreativ kapital til alle hans fremtidige bestræbelser.
Auteuren som producer og samarbejdspartner
Efter den monumentale succes med Pans Labyrint udvidede del Toros indflydelse sig langt ud over hans eget instruktørarbejde. Han cementerede sin rolle som en central, generativ kraft i moderne fantasy-fortælling og brugte sin nyvundne indflydelse til at støtte andre filmskabere og udvide sit kreative univers på tværs af flere platforme. Hans arbejde som producer er ikke en sidebeskæftigelse, men en direkte forlængelse af hans impuls til at bygge verdener. Da han ikke personligt kan instruere alle de historier, der fanger hans fantasi – som hans berømte, men urealiserede hjerteprojekt, en filmatisering af H.P. Lovecrafts Ved Galskabens Bjerge – bruger han sin indflydelse til at bringe tematisk beslægtede verdener til live.
Han fungerede som producer og mentor for anerkendte spansksprogede gyserfilm som J.A. Bayonas Børnehjemmet (2007) og Andy Muschiettis Mama (2013) og plejede nye talenter inden for den genre, han elsker. Han blev også en central kreativ kraft inden for animation og fungerede som executive producer på DreamWorks Animation-film som Den bestøvlede kat (2011), De eventyrlige vogtere (2012) og efterfølgerne til Kung Fu Panda. Hans rækkevidde strakte sig også til blockbuster-franchises og tv. Efter at have været tilknyttet som instruktør til filmatiseringen af Hobbitten trak han sig til sidst fra instruktørstolen, men forblev en krediteret medforfatter på alle tre film i Peter Jacksons trilogi og formede dermed fortællingen om Midgård. Han kastede sig over tv som medskaber og executive producer af FX-serien The Strain (2014-2017), baseret på den trilogi af vampyrromaner, han skrev sammen med Chuck Hogan. For Netflix skabte han den vidtstrakte og elskede animationsfranchise Fortællinger fra Arcadia, som omfatter serierne Troldejægerne, 3 nedenunder og Wizards. Gennem disse forskellige projekter kuraterer del Toro effektivt et større, fælles univers af mørk fantasy og bruger sit navn og sine ressourcer til at bygge sit “kuriositetskabinet” i en langt større skala, end han kunne opnå alene.
En utraditionel kærlighedshistorie: Formen på en Oscar
I 2017 instruerede Guillermo del Toro den film, der skulle bringe ham branchens ultimative hæder: The Shape of Water. Filmens oprindelse lå i et barndomsminde – at se Uhyret fra den sorte lagune og ønske, at monsteret og den kvindelige hovedrolle kunne have haft succes med deres romance. Årtier senere bragte han det ønske til live i et eventyr fra den kolde krigs æra, der blev hans mest berømte værk.
Handlingen foregår i Baltimore i 1962 og handler om Elisa Esposito, en stum rengøringsdame på et hemmeligt regeringslaboratorium. Hendes liv i stille isolation forvandles, da hun opdager laboratoriets mest følsomme aktiv: et amfibisk, humanoidt væsen, der er fanget i Amazonfloden. Mens hun danner et tavst bånd med væsenet, afslører hun en plan fra en sadistisk regeringsagent om at dissekere det. Filmen er en smuk, melankolsk ode til outsidere, hvor Elisas fundne familie – hendes homoseksuelle nabo, der levede i skjul, og hendes afroamerikanske kollega – repræsenterer tidens marginaliserede stemmer. Lavet på et relativt beskedent budget på 19,5 millioner dollars er The Shape of Water en mesterklasse i atmosfære og følelse, der bruger sin 1962-setting som et “eventyr for urolige tider” til at kommentere nutidens sociale og politiske bekymringer.
Filmen havde premiere på filmfestivalen i Venedig, hvor den vandt Guldløven, og fortsatte med at blive en kritiker- og prissæsonfavorit. Dens triumfaften kom ved den 90. Oscar-uddeling. Filmen, der havde fået førende tretten nomineringer, vandt fire Oscar-priser, herunder for Bedste Scenografi, Bedste Originale Musik, Bedste Instruktør til del Toro og den eftertragtede pris for Bedste Film. Det var et skelsættende øjeblik. I årtier var genrefilm stort set blevet henvist til tekniske kategorier af de store prisuddelingsorganer. Med denne sejr omfavnede Akademiet fuldt ud del Toros livslange argument: at en historie om et monster og en romance mellem en kvinde og en “fiskemand” kunne være lige så dyb, kunstnerisk og værdig til branchens højeste ære som ethvert traditionelt drama. Det “usle materiale”, han så højt værdsatte, var blevet alkymistisk forvandlet til filmisk guld i etablissementets øjne.
En vision i udvikling: Noir, animation og fremtiden
I årene efter sin Oscar-triumf er del Toro fortsat med at udvikle sig som kunstner, udforske nye genrer, mens han fordobler indsatsen på sine ældste passioner. I 2021 udgav han Nightmare Alley, en markant afvigelse som hans første spillefilm uden overnaturlige elementer. Som en overdådig og dyster filmatisering af William Lindsay Greshams roman fra 1946 er filmen en ren, mørk udforskning af menneskelig ambition og fordærv, der demonstrerer hans beherskelse af klassisk film noir. Med sin fantastiske scenografi og en tour-de-force-præstation fra Bradley Cooper opnåede filmen fire Oscar-nomineringer, herunder for Bedste Film, hvilket beviste, at hans kunstneriske kommando strakte sig ud over det fantastiskes rige.
Han fulgte op med et projekt, der havde været undervejs i over et årti: Guillermo del Toros Pinocchio (2022). Ved at vende tilbage til sin første kærlighed, stop-motion-animation, genfortolkede han den klassiske fortælling ikke som en børnehistorie, men som en mørk, dybsindig fabel om liv, død og ulydighed sat op imod baggrunden af Mussolinis fascistiske Italien. Filmen var et teknisk og følelsesmæssigt vidunder, hyldet for sin håndlavede skønhed og sine modne, antifascistiske temaer. Den fejede prissæsonen og kulminerede i endnu en Oscar-sejr til del Toro, denne gang for Bedste Animerede Spillefilm.
Denne sejr har cementeret en ny vej frem for instruktøren. Han har udtalt, at han efter et par live-action-film mere planlægger at dedikere resten af sin karriere primært til animation, et medie han anser for at være den “reneste kunstform” og den, der tilbyder mest kreativ kontrol. For en filmskaber, der er besat af omhyggelig verdensopbygning – et ønske født af hans barndoms Super 8-film og forstærket af traumet fra studieindblanding – repræsenterer stop-motion den sidste grænse. Det er det ene medie, hvor instruktørens hånd bogstaveligt talt er med i hvert eneste billede, et direkte og kompromisløst udtryk for hans vilje. Dette skifte bringer hans rejse fuld cirkel, fra drengen, der animerede sit legetøj i Guadalajara, til mesteren, der animerer sine dukker på en global scene.
En livslang passion genoplivet: Frankenstein
I 2025 forventes del Toro at udgive Frankenstein, et projekt, der repræsenterer kulminationen på en livslang kunstnerisk besættelse. For del Toro er historien ikke bare en klassiker i genren; den er en personlig religion. Han har talt om at se Boris Karloffs monster som barn og for første gang forstå, “hvordan en helgen eller en messias så ud”. Denne dybt personlige forbindelse har næret hans ønske om at filmatisere Mary Shelleys roman i årtier, mens han ventede på de rette betingelser for at skabe en version, der kunne rekonstruere hele historiens verden i den rette skala.
Hans vision for filmen er ikke en konventionel gyserfilm, men snarere en “utroligt følelsesladet historie”. Han sigter mod at genskabe følelsen af at læse romanen for første gang, før dens karakterer blev kulturelle karikaturer. Fortællingen vil fokusere på det komplekse forhold mellem skaber og skabning og udforske temaer om faderskab og sønskab, der er dybt forankret i del Toros eget liv. Filmen har Oscar Isaac i hovedrollen som den geniale og egoistiske videnskabsmand Victor Frankenstein, med Jacob Elordi i rollen som hans tragiske skabning. På rollelisten er også Mia Goth, Christoph Waltz og Charles Dance. Filmen er planlagt til en begrænset biografpremiere den 17. oktober 2025, før den streames globalt på Netflix den 7. november 2025. Del Toro har beskrevet filmen som afslutningen på en æra for ham, en storslået syntese af de æstetiske, rytmiske og empatiske bekymringer, der har defineret hans arbejde fra Cronos til i dag.
Ufuldkommenhedens skytshelgen
Guillermo del Toros karriere er et vidnesbyrd om kraften i en enestående, dybt personlig vision. Hans rejse fra en monsterbesat dreng i Guadalajara til en hyldet mester i moderne fabler er blevet defineret af et urokkeligt engagement i sine kerneoverbevisninger. Han har konsekvent forsvaret de udstødte, de “andre” og de ufuldkomne og fundet i dem en sjælfuld skønhed, der afspejler vores egen fejlbarlige menneskelighed. Hans stærke antiautoritære holdning, hvad enten den er rettet mod fascismens maskineri eller kirkens dogmer, løber som en kraftig understrøm gennem hele hans værk. Han er en auteur i ordets sandeste betydning, hvis tematiske optagethed og distinkte visuelle sprog er øjeblikkeligt genkendelige. Hans film er mørke, men håbefulde, groteske, men poetiske, og de opererer på den dybe forståelse, at eventyr ikke er en flugt fra virkeligheden, men et afgørende redskab til at navigere i dens mørkeste hjørner.
Guillermo del Toro skaber ikke kun monstre; han forstår dem, han elsker dem, og han ser dem som skytshelgener for en verden, der desperat har brug for at omfavne sine ufuldkommenheder. Dermed holder han et smukt, mærkeligt og dybt empatisk spejl op for os, for det monstrøse og det magiske inden i os alle.
