Lee Ufan, kunstneren der gjorde en sten og en stålplade til filosofi

Lee Ufan

Født	24. juni 1936 Seoul
Erhverv	Maler og billedhugger
Priser	Ordenen for kulturel fortjenkelse · Ho-Am Prize in the Arts · Æreslegionen

Lee Ufan har brugt det meste af sit arbejdsliv på at forsøge at gøre mindre. En kampesten placeret foran en plade af ubehandlet stål. Et enkelt gråt strøg trukket hen over et lærred på størrelse med en væg, indtil penslen løber tør. Han kalder det en mødekunst snarere end en skabende kunst, og han har argumenteret for den i essays og museumshaver fra Naoshima til Versailles. Problemet, hvis man kan kalde det sådan, er, at det minimale er blevet umiskendeligt. Samlere får øje på et Lee-værk på den anden side af en tætpakket kunstmesse, auktionshusene ved, hvad hvert strøg er værd, og kunstneren, der ville træde tilbage fra objektet, står nu som halvfemsårig i centrum for en hyldest til sit eget navn, der breder sig over fem lande.

Vanen med at rette blikket mod meget lidt begyndte tidligt. Han voksede op i den sydlige del af den koreanske halvø, mens den stadig var under japansk herredømme, først i Haman County og senere i Busan, hvor en konfuciansk bedstefar sørgede for, at han fik undervisning i kalligrafi, tuschmaleri og kinesiske klassikere derhjemme. Lee har fortalt, at han altid foretrak bøger frem for pensler. Han begyndte at læse maleri på Seoul National University, men blev der kun nogle få måneder, før han rejste til Japan i et familieanliggende med medicin til en syg onkel. Onklen bad ham blive. Det gjorde han, og i stedet begyndte han at læse filosofi.

I 1961 havde Lee, der blev født den 24. juni 1936, en filosofigrad fra Nihon University i Tokyo, hvor Martin Heidegger var hans store besættelse. Et kort ophold i Sydkorea bragte ham på kant med militærstyret, og i midten af 1960’erne var han tilbage i Japan, hvor han skrev næsten lige så meget, som han malede. Hans første soloudstilling åbnede på Sato Gallery i Tokyo i marts 1967. I 1969 vandt hans essay “From Object to Being” en kritikerpris, og hans tekst om billedhuggeren Nobuo Sekine satte ord på det, Sekine havde gjort i en park i Kobe i 1968: gravet et dybt, cylindrisk hul og stillet den opgravede jord ved siden af som en søjle. Værket, Phase—Mother Earth, blev det grundlæggende værk for Mono-ha, tingenes skole.

Lee blev bevægelsens teoretiker og dens mest velformulerede stemme. Hans essays, samlet i 1971 under titlen In Search of Encounter, argumenterede for, at kunsten skulle holde op med at fremstille billeder og i stedet bringe ting, mennesker og rum i kontakt med hinanden, så verden kunne fremstå, som den er, med hans egne ord. Skulpturerne fulgte efter teksterne. I Phenomena and Perception B lod han en sten falde ned på en glasplade og lod revnerne løbe, hvorhen de ville. Fra begyndelsen af 1970’erne gav han næsten alle sine skulpturer den samme titel, Relatum: sten ved siden af stålplader, glas, bomuld eller gummi, hver især en relation snarere end en genstand. Fire årtier senere genopførte han glasværket på Guggenheim, hvor han sad på hug over pladen med kampestenen i hænderne.

Maleri vendte tilbage i en mere stringent form. Serierne From Point og From Line, der første gang blev vist på Tokyo Gallery i 1973, er udført med knuste mineralpigmenter bundet med lim lavet af dyrehud – materialer fra nihonga-traditionen, som han havde taget til sig. Hvert mærke får én gang pigment på penslen og gentages, indtil penslen er tømt, så prikkerne og linjerne toner ud over lærredet som et åndedrag, der slipper op. I 1975 rådgav Lee om udstillingen Five Korean Artists, Five Kinds of White på samme galleri. Udstillingen med Park Seo-bo og fire andre malere var med til at lancere dansaekhwa, koreansk monokromt maleri, som en bevægelse. Han underviste på Tama Art University fra 1973 til 2007 og har i mange år delt sin tid mellem Kamakura og Paris.

De senere værker fjerner næsten alt. With Winds, malet mellem 1987 og 1991, lod løsere og hurtigere strøg krydse overfladen. Correspondence, som han begyndte på i 1991, skar lærredet ned til et eller to gråblå strøg af olie og knust sten, mens Dialogue-malerierne fra de seneste to årtier sætter et enkelt, firkantet strøg, bygget op af mange lag, op mod et stort, hvidt felt. Institutionerne fulgte efter: en første amerikansk retrospektiv på Guggenheim i 2011, haverne ved Versailles i 2014 og hele Hirshhorns plads i Washington i 2019. Tre museer bærer nu hans navn: et på øen Naoshima, tegnet af Tadao Ando i 2010, Space Lee Ufan i Busan siden 2015 og Lee Ufan Arles, indrettet i et bypalæ renoveret af Ando, siden 2022.

Det er her, succesen gør argumentet en smule ubehageligt. En kunst, der handler om ikke at skabe, viste sig at være særdeles let at aflæse, og et enkelt gråt strøg er nemt at genkende – og, som markedet fandt ud af, nemt at kopiere. Et From Line-lærred fra 1976 blev solgt hos Sotheby’s i 2014 for 2.165.000 dollar, og mellem 2000 og 2011 nåede flere af hans værker blandt de hundrede højeste hammerslag på koreanske auktioner end nogen anden kunstners. I 2016 erklærede politiet i Seoul og National Forensic Service, at tretten malerier tilskrevet ham var forfalskninger. Lee undersøgte selv lærrederne, sagde, at de var hans, og klagede over, at efterforskerne havde presset ham til at indrømme, at nogle af dem var falske. Domstolene gav politiet medhold: I 2017 idømte dommere i Seoul forhandlerne og en maler bag forfalskningerne fængselsstraffe på op til syv år. Det efterlod et ubekvemt spørgsmål om en kunstner, der taler om at fjerne selvet fra værket: Hvis hånden betyder så lidt, hvem afgør så, hvilken hånd det var? Kunsthistorikeren Joan Kee kaldte ham engang manden, der var overalt og ingen steder, og formuleringen skærer begge veje.

Intet af det har bremset ham. Lee fyldte halvfems den 24. juni, og året er blevet tilrettelagt omkring ham. Dia åbnede en længerevarende præsentation på Dia Beacon i maj med udgangspunkt i otte malerier, han gav fonden i 2025, og en retrospektiv på San Marco Art Centre i Venedig, et parallelt arrangement under Biennalen, der kan ses frem til 22. november. I juli åbnede Palais des Papes i Avignon fire installationer, som var blevet tilpasset paladsets kapeller, køkken og klosterhave. Udstillingen er en del af fejringen af 140 års diplomatiske forbindelser mellem Frankrig og Korea og kan ses frem til 15. november. Den 16. oktober åbner Serralves Foundation i Porto Fragments of Infinity, hans første store udstilling i Portugal, med et maleri skabt til villaen.

Dernæst går turen til Köln. Museum Ludwig overrækker ham Wolfgang Hahn-prisen den 6. november og åbner en soloudstilling dagen efter. Den vises frem til 4. april 2027, og op til 100.000 euro er afsat til at købe hans værker til museets samling. Lee har altid sagt, at stenen betyder lige så meget som den hånd, der placerer den. I Köln – ligesom i Porto og Avignon dette efterår – vil hånden stadig være hans.

Tags: artists, Lee Ufan, From Line, From Point, koreansk kunst, Mono-ha